| 标题 | 钢琴演奏中触键与音色的处理 |
| 范文 | 张轶夫 [摘?要] 在我们传统的钢琴教学中，对于触键和音色方面所提及的内容非常少，甚至学了好几年钢琴都没有听说过关于触键和音色的任何知识。尤其是初级阶段，更是常常出现老师把学生引到不同程度的轻重控制就是所谓的音色这一误区中。触键方法经常被被完全地忽视掉，因为很多人害怕不同方式的触键很有可能会“破坏”手型，甚至在某些时候可能会与启蒙阶段所要求的用手指指尖弹奏产生矛盾。但是随着时间的累积，我们已经有能力弹奏较为优美的曲目时，却发现无论多么努力，弹奏出的效果总是很一般。这就是因为没有通过正确的、不同的触键方式弹奏出最适合曲目本身的音色。 [关键词]钢琴演奏;触键方法;音色处理 [中图分类号]J624?[文献标识码]A?[文章编号]?1007-2233（2021）05-0129-03 在很多国际钢琴大赛中，经常会出现一种现象，两位参赛者选中了同一首作品参赛。甲选手整曲完成度非常高，绝对流畅的同时没出现任何失误。乙选手相对前者速度较慢，甚至出现了一两处失误，可比赛结果竟然是乙选手排名靠前。很多人表示不明白，甚至有人开始怀疑比赛的公平性。其实正是因为乙选手在弹奏中以更为合适的触键方式弹奏出了高质量的音色，使得曲目整体效果超过了前者，所以获得了靠前的排名。因为当钢琴弹奏到达了较高水平时，在技巧方面已经没有多少可供继续提升的空间了。只有通过其它细节方面的处理才可以再次得到升华，而利用触键技巧所获得更适合乐曲本身的音色在这里就起到了至关重要的作用。当了解到了这一问题后，笔者便开始了针对触键与音色方面的学习和研究，2014年更是奔赴欧洲对于音色问题开展了境外学习，5年的时间里参加了无数的研讨会也发表了不少的文章，更是有了不少的收获。愿意通过本文，把其中一些关键点以及触键和音色较为重要的方法分享给大家。 一、舒缓、悲伤类作品 从古至今的钢琴作品中，可以说舒缓、悲伤类的作品占据着较大的百分比。[1]这些作品通常都有以下三个共同点：1.节奏较慢（大部分）;2.连贯性较强;3.起伏性较大。弹奏这一类作品时，首先要做到的一点就是让我们忘掉在钢琴练习初期阶段所要求的“高抬指”。因为用高抬指这种触键方式发力，所用到的仅是指关节的发力，这种触键所带来的音色较为明亮和具有穿透力，而通常这种音色对于我们所讲的这类作品是不合适的。那么应该怎么样才能得到较为合适的音色呢？ 第一，如果作品是较为流畅的，而所表达的情感较为平缓或悲伤，例如：肖邦的《升c小调夜曲》、德彪西的《月光》、贝多芬的《悲怆》第二乐章等，在弹奏时应尽可能地使手指保持在贴近琴键的位置上，手部尽量放平而不是拱起，根据乐句的走向，利用胳膊和手腕带动双手左右移动。第二，手指触键的位置应该是接近指肚处，甚至在某些时候用的就是指肚，而非指尖。主要活动的关节是手指的第三关节。这样触键所得到的音色效果更加“阴柔”和“慵懒”，而且可以得到最大程度地连贯效果。第三，如果需要变化力度时，较重的音，我们利用手腕和肘关节的一个下压动作加以辅助，较轻的音则相反，需要把手腕和肘关节略微上抬。不过这种触键方式的发力程度是具有一定局限性的，如果作品中有需要更大力度弹奏的地方，可以把身体略微前倾，加入上半身力量的介入，这样一来既不会改变音色效果，还可以大幅度增加力度感。以上所说的三点可以适用于绝大多数同类作品的演奏中，但也不可以理解为绝对。因为不排除在这一类作品中，也会出现需要较为明亮或穿透性强的音色。那种情况下，就应该选择另外相对应的触键技巧和方式来演奏了。音乐是人类的第二语言，那么我们可以以此来举个例子，设想一位声音醇厚、词句连贯的男性老者，和一位声音甜美、穿透力强的小姑娘共同朗诵徐志摩先生的《再别康桥》，哪一位更合适呢？答案显然是前者。但如果同样是朗诵较为悲伤的诗词，不过内容是对于妈妈的思念，那么则应该后者较为合适了。 钢琴演奏也正是如此，对应不同曲风的曲目时，除了按照曲目表面所给出的要求完整演奏外，还应正确地判断用哪种触键方法可以得到更为合适的音色。 二、欢快、轻盈、流畅类作品 演奏这类作品时，首先要提醒自己在演奏时做到手部及胳膊肩膀绝对地放松，这样才不会导致在触键时摄入太多除手部以外的重力。[2]也正是因此，才能弹奏出较为欢快、轻盈的音色，当曲目需要手指快速地跑动时，才能够轻松做到流畅地跑动而不僵硬。我们以德国作曲家卡尔·博姆的《喷泉》这首曲目为例，这首乐曲从头到尾都非常的轻松愉快，以正确的触键方法演奏，使听众仿佛可以身临其境般地看到喷泉那连绵的流水和轻盈的水花。演奏这类曲目除了做到放松外，要掌握两个较为重要的触键要领：第一，指尖触键，利用指尖弹奏出的音色可以最大程度地赋予音色穿透力和明亮感，再加上及时地“离键”，不会使音符时值出现没有必要的拖长。第二，利用身体辅助强弱的控制。这一点在舒缓、悲伤类作品中的第三点中也提到过，不过需要注意的是，如果需要更加轻盈的音色，可以把上半身略微后仰，这样会发现手腕被带着抬高了一些。触键的发力除了手指本身以外，手腕、手臂等处的力量完全无法加入其中。以这样方式触键所带来的音色效果会更加的空灵，仿佛演奏者就在旁边，可听到的声音仿佛来自很远。不过利用这种触键方法演奏的前提需要大量地练习，避免出现把控不好身体后仰的距离而导致有的音弹不出声的情况发生。 当然了，任何一首曲目中，都有可能出现需要较大力度弹奏的时候，就像肖邦的《幻想即兴曲》。在第一段中，既有需要轻盈、快速跑动的部分，也有较为激烈、气势磅礴的渲染。需要注意的是，这时候的“重”与悲伤类乐曲不同，因为乐段的主要情感并非是悲伤或沉重，而是需要一种明亮、扎实的音色。弹奏这类乐段或是个别音时，仍是需要用指尖触键，除此之外使手腕和手臂保持一定的僵硬感，使每一次的触键都做到非常的扎实、肯定。如果是较长时值的音符或和弦。可以把手略微抬高，以一种自由落体的感觉弹下去并扎实地保持在琴键上，这种方式带来的音色会更加明亮和具有更强的穿透感。这类既要有流畅的旋律又需要一定力度的曲目还有很多，例如：貝多芬的《月光奏鸣曲》第三乐章、李斯特的《钟》、肖邦的《东风练习曲》等。做到以上所说的这几种触键方法，可以在曲目的弹奏中得到更为合适的音色，起到画龙点睛的效果。 三、特殊音色的触键方法 有些时候，我们很想得到某种音色效果，不过通过正常的触键方式弹奏，却是与想象中的效果相差甚远。就此问题我特意拜访了乌克兰“柴可夫斯基”音乐学院的钢琴系主任，也是乌克兰三大钢琴家之一的谢尔盖教授，针对这一问题做了一次交流。在这里也把那次交流的一些触键心得分享给大家。 第一种：由外往内揉搓触键。这种方法只适合弹奏一些时值较长的音符。首先手部略微高于琴键，落在琴键的边缘（手指前端处）。触键的同时，利用手臂的力量，把手指在琴键边缘处的位置推到琴键靠内的位置处，感觉是在用手指用力搓琴键的表面一样。正确掌握这种触键方式，可以弹奏出既沉稳又较为柔美的音色。另外这种触键方法通常需要结合踏板，加上踏板的辅助效果音色会变的更加浑厚。例如，弹奏肖邦的《幻想即兴曲》开头处左手的两个八度音，和弹奏肖邦的《革命练习曲》开头第一个和弦等作品，都非常合适。 第二种：指关节抠拨琴键。这种方法适用于一些时值较为短促，并且较轻的一些音符。尽量避免除手指关节处以外的力量辅助。手部贴近琴键表面，手指自然伸展开，利用第一和第二关节处快速的收缩使手指蜷缩的同时弹触琴键。这种方法可以带来非常短促、缥缈犹如蜻蜓点水般的音色效果。而且用这种触键方式弹奏，可以根据曲目本身的需求最大幅度地提升轮指的灵活度，例如弹奏李斯特的《钟》轮指的部分就非常适用。 第三种：大拇指辅助支撑弹奏。这种触键方法用于力度要求非常大的单音弹奏。我们的五根手指除了大指以外都相对较为脆弱，无法做到非常强有力的单音弹奏。而有些时候曲目本身又恰巧需要相当强的力度。例如：拉赫玛尼诺夫的《第二钢琴协奏曲》第一乐章开头。这种情况下就可以利用这种触键技巧。首先，我们用大指的前段紧紧地顶在需要被支撑的某根手指第一关节处。而被支撑的手指第一关节保持基本垂直的状态，然后从适度的高处自由下落锤击琴键。这样一来，不但可以得到最强力度的单音，还可以避免由于力度过大而导致手指关节受伤的情况发生。使用这种方法时，要注意触键手指与琴键的角度，避免发生指甲触键而导致手指“滑倒”。 以上所讲到的这三种触键的方法较为特殊，第一种的使用率相对较高，其余两种则并不是很多曲目都可以用得到，具体应根据作品本身而选择性使用。 四、早期古典类钢琴作品 这里所说的早期古典类指的是巴洛克、洛可可时期的钢琴作品。当时正是古典音乐的鼎盛时期，所以音乐家以及各种音乐作品数不胜数。其中约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（以下简称为巴赫）的作品可以说是最具有代表性的。[3]直至如今，他的作品也是我们学习钢琴演奏的必修曲目之一。我们在钢琴教学中，对于巴赫的作品的弹奏要求过于轻薄，往往只是要求能够完整地弹奏作品就可以。其实这是对巴赫作品的错误理解。那个时期的古钢琴与我们现在所使用的钢琴，从发声原理到音色方面完全不同。而且那是个节奏较为缓慢的年代，如果我们依旧按照平时的弹奏方法来弹奏巴赫的作品，显然是不适合的。首先应做到的一点就是严谨的手部力度控制。巴赫的许多作品都属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。我们在弹奏时，首先应找到声部的各个层次和主题部分，通过严谨的手指力度控制，体现出作品丰富的层次感。并且始终要避免“喧宾夺主”的情况发生，也就是其它声部盖过了主题部分，使听者听不清主题旋律。防止这一问题的发生，我们可以尝试在弹奏时给抬指动作假设一个规定性的高度。只有弹奏主题部分时所用的手指需要相对抬高一些，而其它手指在弹奏时的抬指动作要相对更低一些。另外在弹奏巴[JP2]赫作品时我们首先应把谱面上的力度记号都平均降低一级。也就是如果谱面上所标记的是“f”，我们应当成“mf”;“p”当成“mp”;“mp”则当成“p”以此类推的规律来弹奏。[JP] 以上所说时关于弹奏巴赫作品手指力度方面的控制，而对于音色方面，则需要更加地严谨！当弹奏曲速较快、流畅度较高的作品时（在巴赫的平均律作品集中，大多数的前奏曲均为这一类风格），应尽力做到每次的触键之间都有一丝间隔，使每一个音都具有一定的独立性，个别时候可以加上踏板的辅助增加乐句的连贯性，这样可以较大程度接近古钢琴的声音特点。另外，手指的触键位置应该是指尖处，因为古钢琴的音色是非常明亮而且具有穿透性的。手腕保持平稳，不摄入过多除手指以外的力量。哪怕个别地方需要用较大的力度弹奏，也仅是相对同一首作品其它部分而言，通常利用手指本身的发力就可以了，很少会使用到肩膀或手腕的发力。而另一些节奏较为缓慢、曲风较柔和的作品（在巴赫的平均律作品集中，赋格通常为这一类风格），则应该选择靠下一些的位置触键。在弹奏和弦或是较长的保持音时，应加入上半身以及胳膊的力量。另外在弹奏时保证每一个音的时值完整性，不要过早地松开，从而导致乐句断开。做到这几点触键要领，可以在弹奏时较好地把古典作品的典雅烘托出来，使听者仿佛置身于巴洛克时期的某所宫廷中聆听皇室音乐会一样。 这里所讲到的这几种触键方法以及音色问题是对于大多数巴赫的作品较为适用的。但每一位作曲家从乐曲风格到内心的情感都有着很大的不同。所以在弹奏早期古典类钢琴作品时我们还是需要根据不同的作品、不同的风格特点选择针对性的触键方法弹奏。 结?语 不同的触键方法能够获得不同的音色效果，但有可能会与基础阶段所学习的要求相互矛盾。我们可以看一看著名钢琴大师美籍乌克兰人弗拉基米尔·霍洛维茨生前的影音资料。除了炉火纯青般的技巧外，更是每一次触键所发出的音色都堪称完美、令人感叹不已！不过就手型这一方面而言可以说是太过随意，毫无规矩可言。那么我们应该怎样理解这个问题呢？其实道理很简单。任何一项技能的初期学习阶段都应该严格、扎实地掌握各项要求，而当这项技能已经被我们牢牢掌握之后，便可以灵活自由地变化运用了，这也正是所谓的活学活用。就像我们每个人得先学会了讲话，才可以学习唱歌。先学会了走路，才可以练习跳舞。我們的社会也正是因为人们不停地改变与突破才得到了更好的发展与进步。希望本文可以给大家带来一些帮助或启发，笔者会继续对钢琴演奏触键与音色方面的内容，进行不断地探索研究。 |
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