论“情感”在国画创作中的艺术精神
柳俊池
摘 要：中国画是中国人民的瑰宝，是中国五千多年艺术的结晶，其中蕴含着丰富的情感，具有很高的艺术价值和审美价值。情感流露是中国国画最重要的特征，文章就从多个方面来探讨“情感”在国画创作中的艺术精神。
关键词：情感；国画；艺术精神
随着近几十年来中西方文化的不断碰撞，中西方绘画也发生了一定的融合。中国画作为中国民族传统艺术的重要表現形式，经历了几千年历史的熏陶，中国画已经有了固定的形式，在每一幅画中我们都可以体会到画家所表达的情感，有的喜悦有的悲伤。
一、国画的相关概述
（一）国画的概念
有人说中国画是我们用独特的毛笔、墨、宣纸等中国特有的工具，结合独特的笔法绘画出来的画，有着浓厚的中国特色；也有人认为中国画是用传统技巧创作的水墨画；甚至还有人认为中国画仅仅是区别于欧美画的统称。按照绘画的表现手法，我们可以将中国画分为工笔和写意两种不同的形式，按照绘画题材，我们又可以将其分为花鸟、人物和山水等题材画作。其实，这些概念的共性就是：承认中国画的独特性，并承认中国画是“笔与墨”的艺术创作。
（二）国画的特点
形神具备是中国画的一个最为主要的特点。纵观历史上的国画，没有任何一幅作品是抽象派的，它们共同的特点就是形神具备，在这里“形”指的是形象，“神”是性格的意思。在我们的大千社会中，每一草一树一人一石都是有着独特的特点，因此，在画家的手下，这些东西便具有更为鲜明的特点，破土重生的小草颇具生命力，迎面飞翔的雄鹰非常壮美，沉着厚重的高山又给人以厚重的感觉等等，这种在西方的画中是很难见到的。
用笔轻轻地勾勒也是国画的一个重要特点，在众多的名画中，我们可以轻易找到许多仅仅用墨水轻轻勾勒而成的山水画，同样是用墨水画的线，就是因为它们的长短不同、粗细不同、着墨不同就勾勒出一幅令人心旷神怡的佳作。在花鸟画中，最为常用的手法即为双勾设色法，画家先将花鸟的轮廓用毛笔轻轻勾勒出来，然后进行上色处理，便可以完美显示出花鸟等生物的神态，艺术水平非常高超。
二、国画的情感概述
中国画的创作中蕴含着作画者自身情感的流露。特别是作为一个国画名家，他可以将这些情感通过画作的形式表达出来，这就是国画中的意境。意境是每一个画家都追求的画作境界，所谓意境，就是画家将自己的情感融入到自己的作品当中，甚至在自己都没有发现的情况下就把情感完美展示在画中。当作品完成的时候，参观者可以轻而易举地发现画作的意境，从而体会作家的情感。
在中国画的创作中，作者可以将自己的现实生活中的一些不满、愤懑、快乐等不同的情感画在自己的作品当中，画作之时的所思所想都可以无意识表现出来，因此我们都说中国画的主要内涵就是情感的表现。因为每一个人的经历情感是不完全相同的，所以每一幅中国画都是独一无二的，画家们必须对现实有着深刻的理解和体验，这样才可以完成真正属于自己的作品，画家有着什么样的生活经历，自然而然就会有着什么样的情感表现。因此，我们可以这样评价国画作品：没有情感的作品很难成为一件很好的作品。
三、情感的具体作用
（一）情感的目的性
很多人都认为彩陶文化就是中国画的起点，但这种说法是不正确的，从十分严格的学术观点来看，彩陶仅仅是一种简单的手工艺品，在秦汉之前的绘画并没有融入很深的个人情感，只有其形而不见其神，其绘画基本上表达一个内容，那就是祈求上天的保佑。这种情况直接到魏晋南北朝才有所好转，从谢赫和顾恺之的画作中，我们可以感觉到情感在中国画的地位逐渐提高。随着社会文明的发展，国画作品也具有了很强的审美价值，但这也并不是国画的最终目的，国画的最终目的则是国画中画家对情感的追求。由此可见，画家们创作绘画的过程其实就是画家们自我情感表达的过程，国画可以被看成是画家抒发个人情感的载体。
（二）情感的重要性
作为擅长国画创作的画家，在绘画你投入了多少的感情，国画作品就将会收获多少的观众，也就是说，完美的作品是不可能离开画家的情感的，画家对作品的感情投入是必然的。纵观历史优秀的画家以及著名的画作，不难发现画作都有一个共同的特点，那就是将一些非现实的事情用现实的手法来表现出来，用简单的毛笔、墨水勾画出它们的轮廓，然后赋予它们灵魂，将生活上的一些小事升华到艺术的价值。画家往往有着丰富的知识储备、良好的素养、高超的技艺和丰富多彩的社会经验，当别人看到这些画家的画作之时，就可以将自己代入到画家营造的空间中，这样的作品便是大众共同接受的理想作品。
（三）情感的多样性
随着文化的不断发展，当代的画家在绘画的过程中的选材也变得多样化，越来越多的题材被搬到了画纸当上来。从传统的山水田园创作到现代的喧嚣都市创作，从朴实的百姓生活到现在压力很大的公司白领生活等，这些都变成了当代画家们的取材。画家们越来越关注自己生活的环境，吸收着其中的艺术因素，很多的绘画都在强烈的反映现代社会的一些事情，这些都与最初的国画有着很大的不同。
（四）情感的广泛性
中国画在表达的时候一般会有三种不同的情感：第一种就是生活的情感，画家的生活有高兴也有愤怒，这些在绘画的过程中都会或多或少地表现出来，这就说明了人类的情感是多样性的，通过这些作品我们可以体会到画家的情感。如果画作没有半点情感流露，那么这幅画一定会没有灵魂，画作的艺术价值也无法得到表现。第二种情感就是现实主义的情感，在绘画的过程中我们不能一味地继承古人的思想，我们应该从现实出发，这样才不会使我们的国画水平日益变弱，在创作的过程中我们也应该“去其槽粕，取其精华”，将祖先流传下来的东西保存好，并加入一些新鲜的血液，因此国画当中现实主义的色彩极为重要。第三种就是我们的民族情感，中国的国画和欧洲的油画最大的区别就是国画的绘画工具为墨和宣纸，这是欧洲油画所不具有的特征，水墨的加入使国画变得更加具有号召力，国画也因此代表着一个国家的文化象征和精神需求。
（五）情感的修养性
从古至今，画一直是中华民族文化的代表，画家将自己的所见所闻用画笔勾勒出来，来表现出王朝的兴衰和朝代的更迭，画家们不停的提升自我的修养，让自己成为品德高尚的人。“梅兰竹菊”这花中四君子也是无数画家的精神寄托，用以表达画家不屈的美好品性。
四、国画的情感表达
（一）线条的运用巧妙
情感是一直贯穿着在中国画的创作过程中的，线的运用能够很好表现出作者的情感，在绘画的过程中，我们用到的元素就是点、线和面，但是在国画当中我们运用最多的就是线条。线条看起来十分的简单，但是用好却十分的复杂，因为线条不但要造型的规范，还需要点缀来修饰，这不但可以表现出画家对事物的喜恶情感，而且还可以表达出画家自身的性格。通过线的不同形式可以反映出画家当时的心理活动，线是人们自身的情感和自然意境相通的媒介，历朝历代的画家都是很好地把握住了情感和线的种种联系，才让中国画的情感得到很好的表达。
（二）空间的良好运用
中国画的空间一般都有四个不同的空间层次，它们分别是模拟空间、审美空间、物理空间和结构空间。模拟空间即是画家的主观特性，特别是山水画中，画家对山的远近、高低进行了重新排序，而后所形成的空间就是画家自己想象的空间，具有虚无的特点。审美空间就是人们经常说的意境，这种东西在一般的情况下指的就是抽象的、没有具体的形式的，全部依靠画家的主观看法以及观看者的感受所体现出来的。物理空间就是这个物体的大小、尺寸、形状，它们一般都是不变的，让不同的人去画人们画出来的样子基本就是一样的，考验的就是画家的基本功。结构空间在绘画中可以很好地表现出作者的情感，在这里我们可以看出结构空间和模拟空间就像是桥梁，将情感和绘画者完美结合在一起，中国画有着独特的空间特点，但这或許也是一种缺陷，我们要不断创新，这样才能利于中国画的发展。
（三）情感表达的方式
画家往往运用寓情于景的情感表达方式，在绘画当中融入了作者自己的情感。在一些花鸟山水画中，虽然全幅画中并没有一个人物形象，但是我们也可以轻易发现画家想表达出来的东西，比如对社会的不满或者对美好生活的向往。寄情于景让观众们得以触景生情，完成这种方式就需要画家有个美好的寓意，这也算是抽象的概念，山水和花鸟画的绘画一般就是这种绘画特点，将想表达的情感完美寄托在自己的绘画上面。
（四）独特的艺术材质
中国画的艺术材质为水墨和宣纸，在现代的画中，画家们对水墨的要求越来越宽松，这也使得水墨画的发展越来越快。中国的水墨画有着中华民族独有的性质，只有将毛笔与宣纸完美结合到一起才能更好地表现某些情感，用笔的时候应该注意到“五笔三忌”，“五笔”指的就是“平、圆、变、重、留”，“三忌”指的是“忌板、忌刻、忌结”，用墨的时候要显现得比较自然，这样才可以使画面浑然天成。中国画不断发扬着中华民族的坚强品质，也不断吸收着外来文化的优秀部分。随着社会的不断发展，我们可以发现中国画的画家也不断革新国画创作，这也使得中国画不断发展。
（五）奇妙的国画构图
构图是国画创作中的一个重要的过程，一幅画的结构是否看起来整齐、看起来是否美观等都取决于构图方式。画家为了让自己的作品与众不同，八仙过海各显神通，他们将不同年代、不同地方的事物都集中在小小的一张宣纸上面，使画面看起来就很特别，画家的实力因此彰显出来，构图中留下的空白，又让我们有了无限的想象空间。
（六）丰富的国画着色
纵观古今中外，中国画的色彩是最为丰富的。在绘画的过程中，作画者可以将自己的情感借助色彩来表现出来，用一些鲜艳的颜色就表达出画中人物的喜怒哀乐，与之相反的就是运用阴暗的色彩表现出内心的悲凉和绝望，进而体现出画家自身的情感特征。
五、结语
随着改革开放的不断发展，世界变得越来越小了，中西方文化的不断融合和碰撞，让我们可以有机会发现欧洲油画的优缺点，这就督促着我们国画也需要不断改善。只有这样，我们的国画才会不断进步，不会被世界所淘汰，画家们也应该不断提升自我的修养，争取早日达到国画创作的最高境界。
作者单位：
渤海大学艺术与传媒学院
