| 标题 | 齐平如衡 |
| 范文 | 徐振杰 李凤 摘要：“不纯粹性”形容艺术家以谦虚谨慎的态度且多角度平衡完成艺术品的创作。达·芬奇《蒙娜·丽莎》的创作具有一系列的不纯粹性，创作意圖、人物刻画、画面构思、构图色彩等方面;相对而言，杜尚与安迪·沃霍尔的作品创作中具有纯粹性。当下视角看，以达·芬奇《蒙娜·丽莎》为代表的作品创作中所具有的不纯粹性，更加经得起时间的考验，艺术创作仍需要多角度、多层面、多话语的平衡。 关键词：艺术创作;不纯粹性;平衡;达·芬奇 中图分类号：J204 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2019）08-0167-02 一、“不纯粹性”的释读 邓启耀认为“视觉文化研究承续了‘实践的文化观，强调视觉的不纯粹性和差异性，其研究方法是自我反思、自我质疑和多学科交叉的”。本文借用邓启耀的研究方法，运用到论述艺术创作中的“不纯粹性”，需要艺术家加以平衡——反思、质疑和多方考虑。那么本文中“不纯粹性”形容艺术家用谦虚谨慎的态度去考虑自己的创作，且需要多角度、多层面的平衡，它是褒义词。艺术品创作是画家——作品——观者的发展过程，看似简单，实际上需要艺术家对各个问题的集中性思考。本文以达·芬奇作品《蒙娜·丽莎》为例分析。 二、间接思考型：达·芬奇创作《蒙娜·丽莎》蕴含的“不纯粹性” （一）创作意图的“不纯粹性” 首先，达·芬奇一直主张视觉的优越性比其他感官强，绘画作品可以永久保存人的美貌。《蒙娜·丽莎》这幅画不是达·芬奇主动选择绘制。当时达·芬奇的生活比较拮据，恰巧银行家弗朗切斯卡·乔孔多打算为妻子订做一幅肖像画。达·芬奇对于绘画创作本不喜欢约束主题或内容，但是他接受了乔孔多的订购，因为乔孔多打算保留住自己心爱妻子人生中的一段美好时光，符合达·芬奇的创作理念。 其次，这幅画倾注达·芬奇对女性身体的思考。他善于思考，画面中的每一笔线条、每一块颜色，都是经过长久的考量。他用自己虔敬的爱情观念作画。四年的时间让音乐家、戏剧家围绕着蒙娜丽莎，使她的身心沉浸在欢愉之中并露出发自内心的微笑。 （二）主体人物蒙娜丽莎刻画的“不纯粹性” 现代社会和自然世界的不可预见性发展，使其一切的不确定性才是确定的。 美国艺术家托尼·史密斯的艺术生涯是不确定的，是选择理性的建筑师还是选择自由表达的艺术家。达·芬奇亦是，他的一生和绘画创作都充满不确定性。 一方面，这幅微笑着的肖像画题材是其首创，他刻画的蒙娜丽莎的脸部笑容也带有不确定性。另一方面，蒙娜丽莎的眼睛是直视画面之外，注视观众也是他仅有的两幅画中的其中一幅，因为画面描绘的是人物的四分之三像，目光基本上是正视，所以观者无论从哪个角度看她，她都在直视着观者的眼睛。 针对达·芬奇对于眼睛的刻画技巧，贡布里希认为无论哪个角度看墙上的画，它都对着我们，这是一种错觉使然，我们在看透视绘画时，不仅看见画的表面，而且还有透过投影平面看入想象的空间的印象，我们根绝随着我们的移动，这个想象空间里的物体也在移动。蒙娜丽莎的眼睛不是简单的观看画外，让观者无法感受到她真正的内心情感，具有神秘性。 （三）画面构思呈现的“不纯粹性” 画面的每一处都不是画家随手拈来的，暗含深刻意义。蒙娜丽莎坐在一把没有靠椅的凳子上，背后的风景直接呈现出来，阿拉斯认为远处洪荒景色的构想是后来加上的。左边低缓蜿蜒的小河流和右边高地势的山，二者很难联系在一起，中间的部分又恰好被蒙娜丽莎面部遮挡。这种种表现意欲何为？ 阿拉斯认为左右两边连在一起的风景都隐藏在蒙娜丽莎的笑容中，她的笑容朝向高处，暗含着美丽易逝的主题，这个优雅的微笑把不连贯的风景统一起来，从混沌到优雅，再从优雅到混沌，体现了对双重时间的沉思，思考时间的流逝。但是美丽与微笑都是短暂的状态，达·芬奇似乎也在告诉我们绘画作品可以保留下来。 右后方桥的构思也有双重目的，桥下流淌状态的河流象征着时间的流走，再次突出时间稍纵即逝的主题。桥另外一个目的是，因为微笑着优雅的女性却配上混沌的风景实在是不搭，所以这座桥承担着过渡与指示的作用。画面中的每一处构思都是达·芬奇斟酌无数次的结果，所暗含的意义可以让后世不厌其烦的观赏探索。 （四）构图与色彩选取的“不纯粹性” 从画面构图来看，人物离观者非常近，因为下半部分蒙娜丽莎的左手扶在凳子把手上，右手叠放在其上，这个动作加扶手与画面的下边缘是平行的，没有体现空间的透视关系。 当时肖像画大多是画到人物胸部，蒙娜丽莎的双手下面应该是肚脐或者上面一点点，所以应该包括她的腰部甚至臀部，这种构图是新颖的。当时肖像画中的人物面前要加上护栏，但是达·芬奇并没有画上，用蒙娜丽莎的双手作为观者与她身体之间的连接物，避免观者视野的直接性探入。 特定的色彩呈现寄托画家的情感情绪，是揭示深刻内涵的符号。画面整体偏深沉，主要是青绿褐色，加上达·芬奇首创的“明暗烘托法”，整个给人的感受不是单纯的微笑。 三、杜尚与安迪·沃霍尔作品创作中具有纯粹性 与前文达·芬奇的创作构思和作品相比，杜尚与安迪·沃霍尔的作品也有许多平衡之处，考虑到当时特殊的条件，画面或形象的直观呈现，其作品具有实验性，创作构思倾向纯粹性。 杜尚《泉》当时放到展览厅里被拒绝，但也有人辩解这种方式使小便器在新的名称、位置和观点下，赋予了新的意义和新的看法，我们必须承认它的历史意义。但是与《蒙娜·丽莎》整个创作相比，传统古典艺术所具有的意义，其中暗含着广泛的社会、历史或更大的背景，这种背景反过来再赋予作品意义，供后世深究的地方多。邵亮曾直接否定杜尚这件作品《泉》没有价值，无论好的坏的趣味都没有意义。杜尚自己也承认只是把标签贴在现成物品上，并没有充足的时间考虑作品的构思、材料、过程等。 安迪·沃霍尔《康宝浓汤罐》把生活中最普遍的物品变成了神圣的东西，他不仅表现消费主义的商品社会的繁华，也呈现了它的阴暗可怕的另一面。我们必须承认安迪·沃霍尔的作品大胆尝试对波普艺术影响很大。但他的作品相对传统艺术作品就稍显逊色，在他的作品中很难找到背景，也很少或根本没有余地或基础去寻找指代的想象空间。 今天来看，杜尚和安迪·沃霍尔的作品后人无法重复，因为场景已不再是当时的场景，时间和空间也都发生了变化。 马泰·卡林内斯库五幅现代性面孔中，杜尚、安迪·沃霍尔属于先锋派，对先锋派的评价有褒有贬，它总是站在时代的前列，具有破坏性，也致使它的风格特点经常变化。格林伯格反对先锋派，因为他认为现代主义是理想化的，他强调艺术的物质性以及与社会的关系，而先锋派正好相反，先锋派反对的东西恰好是大众所推崇的东西，那么每个时代都有先锋派，但先锋派只是时代中的少数人，有时也否定自己，具有唯一性，它的本质也决定了其艺术地位的特殊性。 卡林内斯库认为先锋派中也有颓废性的表现，长期来看一直保持某种先锋的姿态不太合适。先锋派也不应该媚俗，但是后人模仿的多了也便媚俗了。比如安迪·沃霍爾的作品中具有商业性的特点，导致其具有媚俗的嫌疑。 相对而言，颓废、媚俗艺术、先锋派不是建构性的艺术风格，受到格林伯格、现代主义与后现代主义的反对，格林伯格强调传统，倾向于建构性的现代主义，而后现代主义是更古老的传统，虽然现代主义与后现代主义也吸取了一些波普艺术的积极之处，但更多的强调物质性、多样化、行为性、技巧等积极的新的方面，这些方面更是一种多方面的平衡。 而颓废、媚俗、先锋派一定程度上是一种特殊条件下的平衡，正因为其特点，这是不可模仿的。从艺术数量的角度来看，未来更多的艺术还是构建性的，不可能一直在破坏，如果大部分都是先锋派，也不称其为先锋派了，数量只能是少数的，也是一种平衡，但是数量少且不能模仿，如果模仿，他们的创作方法就很难成立，和当时的定位也是相反的，未来大部分艺术家还是需要创作建构性的艺术，需要多方面平衡的艺术。 四、结语 艺无古今。从厚今薄古的视角来看，构思简单、欠缺思考的创作理应是在古代美术作品中，求平衡、多方考虑的美术创作态度应该出现在我们当下，相反，没有经过复杂思考的创作过程出现在20世纪代表的现代艺术作品中，相较而言，20世纪以来的作品作为更为现代的艺术，创作中的平衡应该更胜一筹，反而是古典时期的作品“不纯粹性”更多，以至今天仍有值得分析的地方。 艺术的发展历程表明，艺术创作需要绝大多数艺术家加以平衡。但是因为平衡的程度不同，使观者对作品的反应不同。艺术创作中多加以平衡也是创作态度谦虚谨慎的一种表现，反映艺术家技艺高超和精神的丰富程度。艺术批评更多的转向与时代情境、观者效果等广阔的历史、文化和社会文化语境的关系研究，本文中所提的“不纯粹性”也越来越成为现代艺术的精神之一。一种方式狭窄性的批评体系已是过去式，多角度、多层面、多话语艺术批评的时代到来。 |
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