| 标题 | 成像技术对于风景画创作的影响分析 |
| 范文 | 王杰 摘要：纵览西方美术发展，风景画创作虽然在17世纪荷兰美术中才发展形成独立的艺术表现形式。但是在之前的绘画中风景也会作为画面背景部分出现衬托绘画主体情节。但是在这些作品中已经可以看出画家对自然题材的精细表现。而这种细致的描绘不仅仅是单纯的依靠画家的细心观察和绘画技艺的高超所完成的，同时画家也运用成像技术原理来实现对客观世界的真实描写。 关键词：成像技术；风景画；影响 中图分类号：J213 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2018）03-0013-02 1839年，法国的达盖尔制成了第一台实用的银版照相机，照相机的出现正是对小孔成像原理的技术层面的实体化。伴随着日后技术的不断更新，照相机技术不断发展，直到今天我们看到了操作简单，成像清晰快捷的照相机技术。这种简单的快速成像技术对现实主义风景画创作来说无疑是一种直面的较量。 在照相机出现之前，欧洲绘画便早已开始采用这种成像技术原理来进行绘画创作。这种成像原理可以追溯到文艺复兴时期，此时所使用的“暗箱”便是运用了成像原理帮助画家更好的对客观世界进行描摹。在英国学者大卫·霍克尼的著作《隐秘的知识》中告诉我们文艺复兴时期绘画大师之所以能够真实反映客观世界的事物不只是因为他们自身的绘画技艺的高超，更是因为他们对“暗箱”这一工具的熟练运用。西方世界自古希腊时期便强调艺术是对自然的模仿，并广泛提出“模仿论”这一概念。这种出于理性的对客观世界的真实再现贯穿与西方绘画艺术中。而这种成像原理的使用使得西方绘画在对客观世界的理性模仿程度上更近了一步。虽然说没有确切的文献证据来证明西方绘画大师达·芬奇或者维米尔等人的艺术创作种采用了“暗箱”这一工具，但是伴随着近年来对画家笔记和作品的不断研究不难发现这一原理在其作品中视觉层面所留下的痕迹。 对景写生一直是风景画创作的不二法则。当照相机技术的出现及普遍应用后，是否可以取代架上绘画的地位呢？在我看来答案是否定的。18世纪皇家美术学院院长雷诺兹曾对照相机技术和风景画创作进行过比较，“我们可以做一个设想：有一片自然景色，人们分别用两种方式将它表现出来，一种是用照相暗箱将它的全貌如实地反映出来，另一种是由一位打艺术家将它画出来。那么，前一种与后一种相比就会显得微不足道和平庸无奇。”在此我们可以看出当面对同一景色时，通过这两种不同的表现方式所带给人的感受是有差异的。画家具有自我主观感受和选择性，可以通过本身的绘画技法和独有的艺术表现能力来提高画面所反馈出来的感受。我们需要知道的是艺术是源于自然的，但艺术又是有别与自然的。当面对同一景色的两种不同表现形式的作品时，能给人愉快的必然是想象。一切艺术的目的都是弥补自然事物的不完美，把只存在与想象中的美通过具象所表现出来，而不是通过模仿——即对于既定对象的逼真描绘，显然更不用说只能呆板的取一时、一地之景所呈现出来的照相技术。挪威油画家和版画家蒙克也对两种表现方式发表过言论：“照相机不可能同画笔和调色板进行比赛。除非在地狱和天堂里使用它。”毫无疑问，照相机所成之像与现实是完全写实的，但这种照片是冷漠的，不具感染力的，出自画家之手的风景画比起真实的自然风景和照片会给人留下深深的印象和更强烈的感受，使观者的精神得到满足。 “是呀！去写生吧！去研究大自然吧！逐步向前吧！要拯救我们的美术绚烂，使它有力和不朽，就必须这样做。”对于画家来说，写生是培养色彩感受力和色彩表现力的唯一方法。绘画是视觉层面的艺术，眼睛是作为视觉信息的第一接收器官，是最直观的。光在空气中是可以被折射的，这也导致了光是不断变化着的。正如莫奈所说：“我画塞纳河整整画了一生，不论是什么季节什么时间……从未感到过厌倦。塞纳河任何时候看都是不同的。”用照相技术所能保留的只是瞬间的光影，是看不到这种变化的，而直观的用眼睛取观察景物可以看到其中的变化，去了解光影的变化规律，从而对色彩的感受力变得敏锐，当对色彩的感受力变得敏锐时和不断的继续写生，色彩的表现力也得到了提高。狄德罗在谈到色彩大师很少出现的原因时说：“他习惯于用别人的眼睛取观察一切，而使自己的眼睛丧失了作用。”如果你不是聋子，就不要从别人的嘴中去了解一件事；如果你不是瞎子，更不要从别人的眼睛中去欣赏自然的景色。每个人对美的理解是不同的，通过别人的眼睛所得到理解的美终归是别人的，而不是自己的。只有走出画室，放下手中的照片和别人的画作，直观的面对自然，自己的眼睛去观察自然，把自然、眼睛和心结合在一起，才能表现出自然之“美”。这种“美”，是画家面对风景所产生的令其激动的第一感受和印象，不是客观存在的，而是存在于画家的主观感受中，需要去主观理解和表现出来。这种主观感受和主观表现是画家面对照片和其它画作时所无法得到的，所得到的只是别人的理解。这种长久的不去写生的创作方式，不花时间来提高自己对自然的理解，只是通过仿造品来获得第一印象的创作方式必然会导致画家主观感受力的减弱，成为追随别人影子前进的人。正如柏拉图所说的成为别人影子的影子，这必然是低级的。 毋庸置疑的是，照相机技术的发明对画家的创作来说也并不是毫无益处的。一位养马专家声称自从有了快速摄影以来，画家才真正理解了这种动物，梅索尼埃这位法兰西的骄傲，才能够表现这种高贵动物的千姿百态。确实如此，在中国古代飞天的画作中，我们经常看到奔跑的骏马，有的会出现四脚腾空的场面。但是根据美国摄影师麦布里奇所做的高速摄影下马奔跑的实验看来，科学告诉我们的是马在奔跑时始终有一只脚落地。 但艺术就是艺术，我们愿意在科学依据下进行创作，但这不能限制画家的主观创造性和表现力。这可以帮助我们取更好的了解大自然，也能更好的发挥画家的创造性。大自然的“美，是无处不在的，而画家并不能随身携带画具到处游走。照相机记录的这个场景只是一个参考，在创作时要记住头脑中看到这个景象时所令你激动的第一印象，通过主观感受来表现出这种第一印象。而不是完全的将此景抄袭与画面之上。 照相机的出现在西方艺术中还具有一个重要的推动作用。照相机技术的出现推动了印象主义的产生，从根本上改变了西方传统绘画的形态。从作品风格清晰的可以看出，印象主义出现之前的西方传统绘画虽然经历了多中风格的不断变迁，如文艺复兴时期风格到巴洛克风格再到洛可可风格等等，一直现实主义风格为止，所有的绘画风格虽然各不相同。但是在绘画形态表现上却是一直基于对客观世界的模仿、再现，是基于写实传统的表现。但是自照相机发明以来，画家发现自己的绘画技法再怎样熟练、对客观世界观察的再怎样仔细也无法达到照相机所呈现出的视觉图像那样真实可信。所以，画家从根本上改变了传统的对客观世界的真实再现理念，转而更加注重自身的视觉感受。他们抛弃了传统绘画题材和绘画传统，走进大自然直接描绘太阳光之下的物象，注重视觉感受力，用色彩代替寫实技法表现世界，强调自然环境中视觉的直接感受，注重描绘光影的变化。这种光线的跳动、变化，色彩之间相互交错的韵律感成为新时代的绘画主题并打开了西方艺术进入新世界的大门。 总的来说，成像技术的发展为风景画的创作带来了双重的影响，有好有坏。好的是可以帮助画家随时记录大自然之“美”，有助于帮助画家方便的记录景象；不好的一方面是停下了许多画家写生的步伐，单纯的面对照片创作，大大减弱了画面的情感感受和表现力。更有甚者利用现代复印、打印技术和投影技术进行创作，或者更应该说是抄袭大自然来进行批量制作，为艺术而艺术变成了为金钱而艺术。 |
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