| 标题 | 扬琴重奏中“和”思想的呈现 |
| 范文 | [摘?要]扬琴自四百年前由丝绸之路传入中国后，便扎根于这方土壤，吸取养料、茁壮成长。其发展过程中，在保留了自己作为西洋乐器的本质特性外，还吸收了中国民族乐器的部分特点，塑造了独特的个性，使得扬琴具有极其丰富的表现力。近年来，扬琴重奏在专业领域中应运而生，受到普遍的关注，其理论基础和作品拓展都日趋成熟。本文着重阐述扬琴重奏中的“和”思想。 [关键词]扬琴重奏;“和”思想;扬琴 [中图分类号]J607?[文献标识码]A?[文章编号]1007-2233（2020）03-0152-02 [作者简介]孙倩茹（1986—?），女，西北民族大学音乐学院讲师。（兰州?730030） 一、扬琴重奏艺术的产生和发展 重奏作为中国扬琴演奏的重要演奏形式之一，为扬琴演奏注入了新的活力。扬琴传入中国虽只有四百多年历史，随着中国传统文化对其浸泡和渗透，扬琴逐渐形成了特有的民族风格，其乐器形制、演奏技巧，以及演奏形式都有了长足的发展。扬琴不仅依托民间音乐乐种，形成了各具特色的流派，还拥有了独奏、重奏、合奏等舞台形式。[1] 早期的中国扬琴只在市井民巷中流传，随着戏曲和说唱艺术的蓬勃兴起，民歌迅速兴旺起来。扬琴因其强烈的亲民性而跻身各种说唱艺术、地方戏曲艺术当中。[2]一经加入，其地位便坚如磐石，直至北京琴书、徐州琴书、秦腔、川剧等传统音乐艺术和地方剧种形式仍保留有“扬琴伴奏”。不仅如此，随着扬琴演奏技巧的完善，在跟其他乐器的漫长磨合中，扬琴兼容并蓄、避短就长，逐渐成为“江南丝竹” “广东音乐”等器乐合奏中的重要一员，发挥着不可替代的作用。新中國成立以来，民族器乐逐渐走上了独奏舞台，各大专业音乐院校开设了民族器乐专业。扬琴也不甘示弱，其独奏作品如雨后春笋般一一涌现，一时间精彩纷呈、琳琅满目。然而，随着时代的发展，人们审美需求的提高，以及扬琴专业化道路的日益完善，单一的独奏、合奏形式既满足不了演奏家和听众的需求，又局限了扬琴的表现力。因此，众多扬琴演奏家开始将目光转移到扬琴重奏中，并在不断的实践和探索中繁衍。直到近些年，扬琴重奏作品层出不穷，既有极具鲜明中国特色的作品，如《三六》《将军令》，还有大量移植改编自外国音乐的作品，如《自由探戈》《查尔达什》《闲聊波尔卡》等。值得一提的是琴制改革。近些年，除了传统扬琴的努力革新外，艺术家们通过探索努力，又有了低音扬琴、次中音扬琴、高音（五度、八度）扬琴以及蝶梦迷你小扬琴等相继问世。扬琴制作工艺的改革为扬琴重奏艺术的发展奠定了坚实基础，而且为扬琴重奏作品的创作开拓了广阔的空间。 二、中国音乐审美中的“和”思想 “和”是中国传统文化的核心。“和，相应也”（《说文》），“和，谐也”（《广雅》）。智慧的中国古人很早就认识到渺小的个人是宇宙自然有机组成的一分子，从而提出“天地与我并生，万物与我为一”的天人观，并探索出人与自然、社会，人与人的相处之道，并且付诸实践，形成了以“和”为核心的“和合”文化。即与天和、与地和、与人和的“天人合一”文化。和，古写龢，调也，从龠（yuè），禾声，龠为类似排箫的一种吹管乐器。龠之声须相谐和，由此可见，“和”的本义与音乐有关，甚至很早就上升到了音乐审美层面，被奉为最高的音乐审美理念。如“乐从和”“和声入于耳，心亿则乐”等。不仅如此，“和”思想还渗透到诗歌、舞蹈、绘画、建筑等各个艺术领域，甚至扩展到人生、社会伦理、精神观念、政治思想等社会各方面，使得“和”的思想具有无与伦比的丰富性与深刻性。 三、演奏中的“和”思想 （一）音量的“和” 音乐是声音的艺术。独奏和重奏的音响效果截然不同，后者更具感染力和震撼力。独奏能使演奏者的个性得到最大的张扬，而重奏更能考验演奏者们协作、配合的能力。作为重奏，需更加关注声部之间的协调及音响的平衡，这些往往体现在各个声部间发声的强弱、快慢的融合上。作品中的力度标记尤为重要。作曲家利用力度标记表达音乐中的情感变化，但是在实际的排练中，很多演奏者只演奏谱面中音符，而忽略了力度的变化，重叠出来的音乐时而杂乱，声响不能平衡;时而没有张力，没有感情，显得单调、苍白。 演奏者在排练前一定要对作品做出分析，不仅要宏观把握作品的风格，还须在微观上细究作品中的每个音符和标记，在多声部作品的排练中，既要分清主旋律与副旋律，也要理解主、副旋律之间彼此依赖、相互协调、相互补充的关系，并在主旋律和副旋律的配合下，注意两者之间的契合，旋律与伴奏声部之间的力度的平衡。扬琴重奏形式多为高音声部、中音声部、次中音声部及低音声部等，通常次中音声部及低音声部多为伴奏声部，伴奏声部中的节奏、伴奏音型较多， 所以弹奏时，节奏应非常稳定，力度亦要稍加控制，这样才能主次分明。在演奏中，演奏者既应各司其职，又要做到相辅相成，演奏者既要主动积极地与其他声部融为一体，同时要具备较好的力度层次意识，在音量的“和”上达到和谐统一。 （二）节奏的“和” 音乐是具有生命力的，节奏便是音乐的脉搏。扬琴重奏不同于独奏，在节奏上出现一些小的失误，有可能对整个乐曲的演奏影响不大，甚至根本不被发觉。但重奏中，基本不能容许有闪失或变化。节奏整齐统一，是对演奏者最基本的要求。演奏中，一旦有一人在节奏上出现问题，那么作品演奏的效果会受到很大的影响。节奏是音乐的脉搏，将根据音乐中的情绪而改变。通常，乐曲情绪悲伤时，音乐节奏比较舒缓;而节奏跳跃并快速时，乐曲情绪大体分欢乐、激动、愤慨等。重奏对于每个人控制能力及和声音响的平衡要求很高，作品中强弱对比要恰到好处。在纵向的强弱对比中，多架扬琴可以发挥出更广阔的空间，多声部的叠加可以使演奏力度从pp迅速达到ff，甚至出现更有张力的变化。随着音高、力度的变化，不同声部在不同节奏中交错进行、彼此协调，演奏者们的脉搏和音乐的律动达到统一，让整个音乐的表现力更为丰富多彩。每个演奏者对音乐作品整体的节奏须有比较透彻的了解，有些演奏者在平时练琴忽略了节奏问题，一旦参加重奏，会出现很难与团体融合的状况，其原因在于其节奏感的随意性，在重奏时容易格格不入。重奏中的低音声部通常承载着整首乐曲的脉搏、律动，节奏重音尤其重要，在重奏所有声部需要仔细捕捉低音拍点，磨合并协作，不可随性、随意。控制随性、随意的最好方法就是使用节拍器进行反复练习、融合，使重奏乐曲各声部旋律的交错呼应，节奏、线条有序而清晰准确。至于复杂的节奏和复合节拍，需分段分句练习，进行拆分多练，待演奏整体节奏统一并稳定后，再加速练习，达到最终融合统一。 （三）音色的“和” 音色的变化是音乐作品中最常见的一种表现形式，扬琴的音色清脆明亮、音量宏大，虽没有非常明显的个性，但具有极强的融合性。在扬琴重奏中，高音、重音及低音的重叠，可以变换出复杂多层的和声色彩以及个性的意象风格，伴奏声部复杂多变的节奏型及多样的和声可润色和衬托旋律声部。 扬琴不同音区不同的音色表现为：中音区音色柔和，高音区清脆明亮，而低音区的音色浑厚圆润。演奏者可根据作曲家不同音区的音色安排、多样的和声层次结构、音色布局、配器手法等进行分析及演奏。对于演奏者们最重要的关注点，就是如何使多架扬琴在音响上达到平衡及和谐，使纵向音响效果既追求交响乐中的立体感和平衡感，又有中国乐器的高雅气质及和谐内涵。 对于扬琴重奏来说，怎样让同樂器重奏的表现力更加丰富——音色，是乐器的第一表现力，而观众的耳朵最终接纳的也是音色。有些演奏者一味地追求曲目的难度及飞快的演奏速度，却忽略了对音色的训练。 影响扬琴音色的重要因素是击弦位置、击弦方法以及演奏者身体各部位放松状态，直接影响音色的圆润与饱满。在重奏过程中，各种音色都具有各自的辨识度，音色过强，将太过聒噪;音色过弱则会发虚。演奏者要善于倾听，注重音色变化，合理运用扬琴不同技巧，使演奏中每一个声部的音色即优美又和谐。 （四）思想之“和” 扬琴重奏的演奏形式是以多人集体协作进行不同声部的有序合成，其演奏过程就是彼此合作的过程。扬琴重奏音乐若想达到完美的音效，需要演奏者们默契配合、高度协调、情感的完美表达及密切的团队精神。演奏者们在排练前首先需要了解作品的创作背景、乐曲风格和结构以及作曲家的思想感情，相互倾听和交流每个人对不同作品的理解及演奏感受。在重奏训练及多种形式的实践中，随着作品的声部增多，音乐的节奏复杂多变、调性的频繁变换、乐句的织体层次繁多、音乐色彩的丰富多样，声部演奏者，需善于把握不同声部的气息，使呼吸均匀一致、节奏统一，敏锐捕捉到气口的转换及旋律的律动。“聆听”各个声部与自己声部间的关系，感受重奏的音响效果，有意识地培养与其他人的合作精神，并随时调整自己的音色和力度，使音色、音量达到平衡的状态。在呼吸、感情以及所奏的神韵上做到水乳交融，融为一体，更凸显出演奏者们思想之“和”的重要性。 “和”思想是中国古人在长期的仰天、法地、崇尚自然地实践中取得的智慧的结晶，这一思想影响了中国人数千年。“和”文化也在随着时代的发展而产生着不同的社会历史价值，直至今日，其影响力不减。在扬琴重奏排练中“和”思想更是贯穿始终，正是在“和”思想的指导下，扬琴重奏作品才得以正确阐释。相信在今后扬琴重奏的发展中，“和”思想将产生更为重要的意义。 注释： [1]周?珊.扬琴重奏艺术在其教学中的应用研究[J].艺术研究，2018（03）：134—135. [2]韩晓莉.扬琴重奏的历史、演变和发展[J].艺术教育，2004（05）：66—67. （责任编辑：崔晓光） |
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