| 标题 | 交响乐团中大提琴的训练与演奏要点 |
| 范文 | 郭昕 [摘 要]近年来，伴随着音乐事业的整体繁荣，我国交响乐团发展也迈上了崭新的台阶，由此对演奏者的专业素质和能力提出了全新的要求。大提琴是交响乐团中的重要组成部分，演奏者必须通过科学的理念和高效的训练，才能满足整体的演奏需要，使这门乐器特有的价值和意义充分发挥。鉴于此，本文结合实际，就交响乐团中大提琴声部的训练和演奏要点进行了总结，以期起到一定的启示和借鉴作用。 [关键词]交响乐团;大提琴;训练和演奏 [中图分类号]J622 [文献标识码]A [文章编号]1007-2233（2020）04-0122-02 [收稿日期]2019-12-04 [作者简介]郭 昕（1987— ），女，江苏交响乐团三级演奏员。（南京 210000） 一、交响乐团中大提琴演奏者应具备的素质和能力 在探讨交响乐团大提琴训练和演奏要点之前，有必要先对大提琴演奏者应具有的素质和能力进行明确。1996年，中国交响乐团经过一系列重大改革后，首次建立了与世界职业乐团同步的音乐季演出机制，被视为是中国交响乐团职业化发展的开端。此后全国各地的交响乐团都提出了职业化的发展目标。所以交响乐团中的大提琴演奏者，也要以职业化作为重要的衡量标准。这既是一种向国际看齐的理念，也是演奏者努力的方向所在。具体来说，职业化的标准应包含以下几个方面。首先是扎实的演奏技术。演奏者应该具备扎实的演奏基本功，精通古今中外乐曲的演奏，并通过科学、合理的训练，让自己始终保持在良好的状态中。其次是广博的音乐知识。一方面，演奏者在分析、体验和表现作品的过程中，都需要以乐理、和声、作曲、音乐史等各类音乐理论知识为基础;另一方面，交响乐是一门合作的艺术，演奏者不仅要精通个人乐器的演奏，还要对其他乐器和声部有相应的了解，方能获得理想的合作效果。再次是敬业的团队精神。交响乐团的人员多、乐器多、声部多，要求演奏者必须要具有良好的团队精神，心系他人，相互合作，才能获得整体的成功。反之，如果只顾自己，相互拆台，也就失去了交响乐最基本的价值和意义。可见，作为一名职业化交响乐团的演奏者，有着高标准的素质和能力要求，必须通过长时间、科学的训练和培养，才能达到职业化的目标。 二、交响乐团中大提琴的训练和演奏要点 （一）养成良好习惯 每一个大提琴演奏者的学习、训练和演出过程都是十分漫长，很多名家大师都为此献出了毕生的精力。所以在这个过程中，习惯的养成是至关重要的。具体来说，演奏者应该养成“唱”和“练”两方面的习惯。首先是“唱”。“唱”是指在日常训练中，面对各类作品，要在演奏之前先哼唱。这种哼唱不在音色上有任何要求，假声和真声均可，但是音高要绝对准确，如果感到不准确，随时借助钢琴等进行校正。在唱准音高的基础上，再加入节奏、力度、表情记号等，通过一次次完善后达到理想的状态。这种训练可以保证演奏者脑海中始终有正确的音高概念，有效解决弦乐的音准问题。其次是“练”。这里的“练”指的是演奏者要长期坚持训练。心理学中有“凹槽效应”的说法，意思是说通过长时间的反复思考和训练，人们的动作就会自动落到“凹槽”中，成为根深蒂固的习惯。大提琴演奏者就是要形成一个个正确的“凹槽”。很多成名已久的演奏家，不管演奏任务有多么繁重，仍然坚持每天练习，目的就是为了让自己始终处于良好的演奏状态中，保证手臂、手腕和手指的机能性，随时随地面对各种演奏需要。即便是面对一些大型交响乐时，也能够做到游刃有余。反之，如果在学习和练习过程中没有形成这两个习惯，那么个人发展就会受到很大的阻碍。 （二）始终保持专注 多数演奏者都是具有扎实和娴熟的演奏能力，但是在业务考核或者实际演出中，却有紧张、没有百分百发挥的感觉，造成这一现象的原因是多方面的。其中一个重要原因就在于没有保持专注。换言之就是其他因素考虑太多。比如担心这一段是否可以完美地演奏下来，自己今天的形象如何？这个新环境是否会影响到演奏效果等。这些杂念都会影响到演奏者的正常发挥。而如何摒弃这些杂念呢？那就是保持专注。演奏者坐定之后，就要全心投入到作品中，一边在心中哼唱着旋律一边演奏，将注意力集中到音色、乐句表达、音乐的连贯性上。特别是在与乐队的合奏中，还应该在内心中提前想象到交响乐的效果，做好充分的准备。在此基础上，演奏者还应该对表情和身体律动有充分的重视。作为二度创作的演奏，不仅要奏出美妙的声音，还是一个演奏者与作品、觀众融合并走向审美认同的过程。而且多数演奏者都会或多或少的心生杂念，对此不妨将这些杂念转化为表情和肢体动作，为这些杂念找到一个合适的归宿或摒弃的渠道，同时这种投入的表情和动作，也会给观众带来相应的视觉美感体验。而且这种专注的保持，不应只局限于演出，要求演奏者在日常训练中也要主动培养这种习惯，经过长时间的训练后，就会始终保持在专注的状态内，可以从容应对各种挑战。 （三）做好准备工作 演奏者是作品和观众之间的桥梁，演奏技术的展示是手段而非目的。演奏者应该通过良好的配合，共同展示出音乐作品的思想和内涵。所以作品体验环节是十分重要的。近年来，随着交响乐团的职业化发展，演奏者之间也面临着激烈的竞争，很多演奏者都将重点放在了技术训练方面，而忽视了对作品本身的了解、分析和体验，这种状态下的演奏是难有艺术感染力可言的。所以在面对一首新作品时，不能急于演奏，而是要做好全面的准备工作。首先，演奏者要对作品背景进行分析。即作曲家是谁，其在何种状态和背景下创作了这首作品，作品的主要内容和风格是怎样的。其次，演奏者要对乐谱进行试唱。乐谱不仅是乐思的直接反映，也包括各种音乐记号、表情术语等，更是展示乐思的辅助手段。演奏者应该先通过哼唱的形式了解作品，并在脑海中初步建立起音高、音准、节奏概念，并对演奏效果有大致的设想。再次，演奏者要对作品进行试奏。在对作品进行充分了解和体验的基础上，可以对作品进行尝试演奏。这个过程中既不追求速度，也不追求完整，重在检验自己之前的体验是否准确，还有哪些地方需要得到完善等。“大提琴在拨奏、拨弦、断奏等方面，也一直受到广大听众的喜爱，以其不同的音乐感受，给听众不同的体验。”[1]所以对于一些技术难度较高的片段，更要进行重点准备和练习。经过以上三个环节的准备后，基本就可以做到成竹在胸了，为排练和演出打下了坚实的基础。 （四）形成良好配合 合作性是交响乐艺术的基本属性，具有良好的合作意识和能力，也是诸多演奏者应具备的基本素质。然而在现实中，受到学习经历等方面的影响，很多演奏者在合作方面还是存在欠缺，主要表现在两个方面。首先是认识方面。在整个交响乐团中，每一种乐器、每一个声部都是独立而平等的，都有着不可替代的价值和意义。而不是以数量多少论英雄。一些演奏者看到大提琴或者弦乐器数量较多，不禁对其他乐器和声部心存轻视，这显然是不可取的。另一方面，在其他乐器较为突出时，又片面地认为大提琴只要做好伴奏工作即可，遮蔽了大提琴作为一个独立声部的价值。以上这种妄自尊大和妄自菲薄都是不可取，所有乐器和声部之间都是相辅相成，互为统一的，只有通过密切的合作，才能获得整体的、高质量的演奏效果。其次是行动方面。在进入乐团之前，多数演奏者都是以独奏为主的，交响乐团集体排练的经验并不丰富，所以要有意识地补足和完善。要对个人声部在整个作品的作用、价值等有明确的认识，并与指挥、其他声部等进行沟通，形成了多方认可的观念。在认识上达成一致后，则要在练习中不断磨合，包含节奏、音色、旋律等各个方面，并且要主动给其他声部以鼓勵和支持，而不是各说各话。只有所有人通力合作，才能真正达到一加一大于二的效果。 （五）实现自我突破 从当下的实际来看，多数交响乐团的大提琴演奏者都是高校科班出身，而且以艺术学院、音乐学院为主。但是受到历史等多方面原因的影响，我国艺术、音乐院校对学生交响乐演奏的培养一直比较薄弱。很多教师也极少接触和演奏交响乐，难以给予学生以针对性的指导。学生毕业后进入交响乐团，很难在短时间内适应。在培养机制难以在短时间内改变的情况下，就要求演奏者主动学习、探索和突破。“仅仅学习演奏的方法和技巧是远远不够的，还要不断地学习和提高自己的艺术修养。”[2]首先，要求演奏者在平时做一个有心人，多问几个为什么，多总结得失，不断积累和丰富个人经验。其次，则要眼光外放，四处取经。如主动参加各种大师班、音乐节等，其好处在于可以在短时间内集中接触一些音乐会曲目，近距离感受名家大师的风采，还能得到他们的亲自指点，这对于个人的提升和发展来说无疑是一个绝佳的机会。所以演奏者要树立起终身学习的理念，活到老，学到老，不断突破自我，艺术之树才能常青。 结 语 综上所述，进入新世纪后，在音乐文化整体大发展的背景下，全国各地交响乐团的数量也一直呈增长的态势，彼此间也形成了激烈的竞争。在这种情况下，演奏者的专业素质和能力就成为了决定性因素。大提琴是交响乐团中不可或缺的重要声部，对整体演奏质量起到决定性影响。所以无论是乐团还是演奏者，都应该充分认识到提升演奏质量的迫切性和重要性，并把握住训练的要点，实现个人的可持续发展，这对于个人、乐团和中国交响乐来说，都是大有裨益的。本文也正是基于此目的，结合个人心得和体会，进行了简要的分析，希望可以起到抛砖引玉之效果，给更多演奏者以相应的启示和借鉴。 注释： [1]黄秋烨.大提琴演奏方法之研究[J].中国体卫艺教育论坛，2019（05）：89. [2]刘凤义.大提琴演奏技巧浅析[J].内蒙古民族大学学报，2008（01）：14. （责任编辑：崔晓光）当代音乐·2020年第4期苏思颖：论当代中国后现代主义音乐的解构性和重构性——以谭盾的作品为例 |
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