康定斯基抽象绘画作品中的音乐性
李媛 刘朝阳 于涛
摘 要：瓦西里·康定斯基是现代艺术的伟大人物之一，康定斯基与彼埃·蒙德里安和马列维奇一起，被认为是抽象艺术的先驱，毫无疑问，康定斯基的充满活力的抽象绘画作品开创了非客观性艺术。在他去世之后，他的作品对新兴的抽象表现主义运动产生了深远的影响，尤其是对画家杰克逊·波洛克和阿希尔·戈尔基的作品产生了重大影响。康定斯基的《论艺术的精神》流传到现在，被世界公认为“现代绘画的启示录”，为那些追求自我精神极致的“唯心主义”的艺术家提供了理论依据。也正是因为他理论与实践相结合，使其在艺术史上达到极高的位置。康定斯基在早年间接受过非常良好正统的教育，在他童年时代受到音乐的强烈影响，其父母都演奏乐器。他熟知音律，在从事艺术工作之后，逐渐演变出一条与众不同的、与音乐融会贯通的艺术之旅。
关键词：康定斯基;抽象艺术;“艺术精神论”;戏剧;音乐性
一、康定斯基所处的时代背景
1866年12月4日，康定斯基出生于俄罗斯莫斯科的一个音乐世家，父母皆演奏大提琴，童年时代在敖德萨度过。他在少年时代熟知音律，这也是康定斯基绘画理论的重要起源因素。康定斯基认为绘画和音乐是相通的，就像弹钢琴一样，绘画中的颜料用色就像敲琴键的锤子，画家的精神与心灵好比琴弦，画家则是钢琴家的手，当乐谱里的歌曲奏响时，则是绘画与心灵发生共振的时刻。康定斯基后在沃洛格达进行一系列的民族史与地方民俗风情调查研究，其间广泛接触到俄罗斯民间绘画和装饰艺术，对它们有张力的、非写实的表现手法和强烈的色彩留下了十分深刻的印象。1896年在慕尼黑学习绘画，在这里，他被弥漫在这个城市的新艺术运动的气氛吸引，随后开启了欧洲及北非之行，并实地考察了各个国家现代艺术运动的发展状况，加深了对欧洲文化的全面认识，在俄国十月革命之后返回莫斯科。因为前卫艺术与官方的现实主义艺术相悖，康定斯基1921年又去到德国，1922年被任命为主管美术的政府部门的工作人员，并在包豪斯担任教职。
在了解到康定斯基的生活背景后我们不难看出，康定斯基在从事艺术之前所储备的知识结构积累以及涉足范围与他之前的画家——凡·高、高更、莫奈、塞尚——有所不同，所以就促使了康定斯基朝另一个方向研究艺术，寻找一条截然不同的艺术目标，也就是抽象艺术。康定斯基更重视艺术思想对艺术作品的指导，他认为艺术要有思想理论的支撑。作为现代抽象艺术在理论和抽象上的奠基者，他1911年的《论艺术的精神》、1912年的《關于形式的问题》、1923年的《点、线到面》、1938年的《论具体艺术》，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录。
二、康定斯基“艺术精神论”
20世纪是世界艺术史上的一个分水岭，在这个时代，艺术家不满足于对所画物体进行简单的描摹，开始转向关注画家内心的精神世界。在20世纪以后出现了现代主义艺术的诸多流派，如表现主义、立体主义、未来主义、抽象主义、野兽派、达达主义、超现实主义、波普艺术等等，而康定斯基成为抽象主义的代名词，他在1911年所写的《论艺术的精神》被世界公认为是“现代绘画的启示录”。《论艺术的精神》是一部具有抽象主义宣言性质的著作，康定斯基通过这本书向全世界宣称时代的变化要求艺术形式必须进行相应的革新，时代变了，艺术必须也要随之改变。
康定斯基认为，艺术反映时代特征，与当时的社会紧密相连，20世纪初的艺术已经不能再现古希腊时期的古典艺术了，否则艺术终将毫无活力。康定斯基在书中将艺术运动划分为一个三角形，也就是著名的“金字塔理论”。康定斯基认为可以将艺术看成一座金字塔，在金字塔的底部和顶尖占据着艺术的两个对立面：金字塔的底端是大众普遍能够读懂的能够认知的客观存在，例如古典艺术和自然艺术这些准确描摹和重现客观物象的艺术流派;金字塔的尖端则是代表着精神层次，用来表达艺术家的心声，是抽象艺术的溯源，例如现代艺术，所表达的是艺术家内在的精神和灵魂。康定斯基的艺术“金字塔理论”在当时遭到一众艺术家的抨击和反对，他们认为这种艺术理论不该存在，但是康定斯基依然不顾这些声音坚持下来。他说：“三角形的顶端就像宝塔的尖顶，这个尖顶不在乎底端艺术对其不理解，往往在最顶端，可能只有一个人屹立。”
对于康定斯基而言，绘画追求的是内心的表现、精神的震荡，所以在他看来，艺术这座金字塔的底部反映的是现实客观物质层面的东西，顶端表现出精神层面的真实性，而所谓的物质真实就是绘画尊重客观现实，有着严格的精准的造型和用色。与之相对，在顶端反映真实的精神世界，艺术家们不再局限于传统意义的绘画理念，开始加入自己的绘画情感和语言。马蒂斯所作的《红色中的和谐》（图1）简化了人物复杂丰富的结构，将所画物体的真实性转变为一种具有装饰意义的作品，从而抒发自己的艺术主张。康定斯基在《论艺术的精神》中指出，艺术家必须有自己的情感传达，绘画不再是单纯地描摹物象，掌握外形并非目的，而是要代以符合内涵精神的形象。在这一时期，艺术的主题从反映客观现实转变到了表现艺术家的精神世界。康定斯基认为，这种精神世界必须是不掺杂其他成分的，体现在他的绘画当中，没有了任何客观的物质形象，图画里的每一个点有时比一张脸所表达的内容更为丰富。康定斯基把绘画中的形象发挥到了抽象的极致，他认为他生活的时代是个可怕的时代，在这个时代里，艺术只是简单满足于有物质真实的需求，而艺术本质是什么却没有人在意，剩下的只有用复制的方法来描摹和再现物体，毫无意义描摹成为了主导，使得艺术失去了灵魂。
三、音符绘画论
康定斯基少年时就开始画画、写诗、弹钢琴，他还是一位业余的大提琴手。由于他自身学习音乐的经历，在他决定走艺术的道路之后不断研究、实践，他认为，音乐和绘画作为艺术两种不同的形式，本身就是同根同源、相互贯通的。音乐是一种“纯粹”的艺术，完全是音乐家的思想创作，而绘画则是一种“创造”的艺术，需要借助故事情节才能完成。康定斯基的伟大之处就是他把音乐那种纯洁的思想表达带入了绘画艺术之中，认为绘画不一定要讲述故事，而可以是一种无法用言语表达的内涵，这也就是康定斯基抽象艺术的根源。
在了解学习康定斯基的过程中，笔者认为康定斯基音符绘画论想要表达的观点并不是要在画布上画出来音符，而是利用音乐和绘画的共同之处来解释抽象和具象。抽象和具象是两个相对立的概念，没有绝对的抽象也没有绝对的具象。他把绘画艺术和音乐诗歌联系起来，很重要的一点是音乐诗歌相对于其他的艺术形式来说——比如富有故事情节的小说——更具有梦幻性、精神性，诗歌的语言表达方式最为简练，而诗歌中所表达的情感是一切语言艺术中最集中最恳切的。诗的语言凝练着浓烈的情感色彩，绘画应该像诗歌一样表达情感和意境。不管是戏剧、音乐还是绘画，艺术在对现实的描述和情感的表达中都涵盖有倾向于物质或倾向于精神的成分。康定斯基认为画家和音乐家是相通的，追求表达创作者的内在精神，而不同的是绘画依靠视觉，音乐依靠听觉。
欣赏康定斯基的作品，就能感受到他的作品像他的艺术理念一样，是一支激情的交响乐。康定斯基的绘画作品中，各个物体色块相互碰撞，演奏一曲激烈的狂想曲。他的作品《构图第七号》（图2），画面中充满关于构图的思考，每个形体都在遵守自己的法则，每一个法则又在画面中发挥其应有视觉冲击作用，使得画面本身充满了具有节奏的律动和狂想。康定斯基说：“绘画是由色彩、造型和线条所创造出来的音乐。抽象绘画可谓是一种视觉音乐。”他的色块和线条没有固定的格式，每个元素都如音符般存在，有着和音乐相同的性质，康定斯基就是想让人们在读画的时候感受到音乐的流通性。
四、结语
康定斯基所创作的抽象绘画艺术作品最主要的特征是绘画与音乐相融合，康定斯基认为，绘画作品就像一曲交响乐，画面中的各个组成部分犹如各种不同的世界相撞，仔细观察他的作品就会发现，画面中各个物体、色块在相互碰撞中产生出一个新的世界。他认为，音乐是一门表现艺术家灵魂、思想情感的艺术，不应该受到约束，而绘画则应该向音乐靠近，作为一门表现艺术家内在精神与灵魂的艺术，也不应该受到自然的束缚。康定斯基所提倡的艺术精神论，不仅在绘画上给人们带来了启示，也给现代社会的人们提出了一个很大的问题，也就是关于物质和精神的问题，人们是不是也应该思考一下，在当今经济快速发展的过程中，除了满足个人的物质需求之外，是否也应该关注一下自己的精神层次有无缺失的问题呢？
作者单位：
山东建筑大学
