| 标题 | 浅析声乐艺术实践中表演技巧的培养 |
| 范文 | 张庆果 【摘要】表演技巧有着时代性要求、真实性要求以及想象力要求。要培养声乐艺术的表演技巧，则需要情感投入、变换角色、面部表情、手势动作、眼神交流等各个方面。鉴于此，文章首先介绍了在声乐艺术实践中对于表演技巧的具体要求，然后提出了几点关于培养表演技巧的方法，能够提供一些借鉴和参考。 【关键词】声乐艺术；具体要求；表演技巧 众所周知，声乐是通过人的声带，配合舌头、口腔和鼻腔，共同作用于气息发出的有节奏、有连续性和悦耳的声音。这种表达方式的最大魅力在于利用人声直接表达真实人性，并且直达观众的内心深处。就目前而言，声乐艺术体现的根本原则包括三种：唱情、唱韵味、唱意境。作为一门实践性比较强的艺术种类，声乐自身具有一种感人至深的艺术力量，其艺术实践表演技巧对音乐教学研究具有重要的作用。当前，声乐艺术表演技巧呈多元化发展趋势，可以通过眼神和动作等来表达不同的情感。想要做到这一点，声乐表演者必须能够做到表演的协调性和声音音准的完美统一，只有这样才能在真正意义上确保声乐艺术的可持续发展，从而推动整个音乐文化的高速发展。 一、表演技巧的具体要求 随着时代的发展与生活水平的提高，人们在物质基础得到保障的同时，对艺术的要求也越来越高。其中，声乐艺术中的表演技巧也比起过去有了很大程度的提升。以往大量的实践结果表明，精确恰当的表演往往能够有效促进声乐艺术的形象塑造和情感表达，大大强化艺术表现力和感染力。那么作为表演者如何能够做到呢？首先需要表演者通过自身全部的激情，自我与作品的完美融合，引发观众和自我表演的共鸣。而这一切的实现都离不开表演技巧。换言之，表演技巧在声乐艺术实践中有着独特的价值。总的来说，当前表演技巧在声乐艺术实践中的具体要求主要体现在以下三个方面。 （一）时代性要求 艺术是源于生活而高于生活的，演出的作品必须能够随着时代的改变而改变。声乐作品作为特定历史的时代产物，本身就具有强烈的历史印记和独有风格。比方说巴赫时期的作品具有明显的内部结构与多声部线条组合的属性，莫扎特时期则具有内部结构的逻辑性和连续性特点。随着时间的不断推移，声乐艺术的表演形式和技巧相比过去已经有了很大的不同。当前的作品更加倾向于青春和爱情气息，这样一来创作者和声乐表演者就必须以时代精神对原作进行丰富和二次创作，只有这样方可发挥声乐表演者的艺术特长和创造个性。 （二）真实性要求 这就要求表演者在表演中善于把握与理解原作，最大限度地体现出表演者的感悟能力与分析能力，同时还要在细节上体现出表演者极高的艺术修养。想要做到这一点，演唱者务必可以真正意义上理解声乐作品内的词曲以及原创作者的创作意图，然后淋漓尽致地展现在观众的眼前，从而让作品内容如抑扬顿挫的歌词语调、语气的轻重缓急、旋律的高低起伏、动作的丰富多彩充分展现出来。除此之外，应该结合剧本做好巧妙构思词曲和高潮布局，然后合理运用肢体语言恰如其分地表现剧本内容，这一点也极为关键。 （三）想象力要求 前面已经提到，声乐作品本身具有明显的时代气息，随着经济的快速发展和人们意识的不断改变，艺术创作成为一门非常重要的功课。归纳来说，就是需要将艺术想象力与情绪情感、形象思维有机融合。观察发现，在声乐艺术实践中，合理运用表演技巧能够很好地完成艺术想象。通过表演可以实现声乐作品在形象思维中的想象。利用艺术想象将自己的演唱与生活积累相结合，与此同时将自己尽可能地融入到作品的意境当中去，从而展现作品的内涵，达到声情并茂的目的，只有通过情感的深刻表达才能引发观眾产生心灵上的共鸣，为欣赏者带来真正的艺术享受。 二、培养声乐艺术中的表演技巧 （一）情感的投入 人是一种有感情的动物，表演者必须将自己的真实情感全身心地投入到声乐作品的表演之中。需要注意的是，这里所指的情感并非随意产生的，而是有机结合剧本在舞台艺术要素的情感体验。通常地说，很多表演者在表演过程中尤其是那种观众非常多的场合多多少少都会产生一种紧张感，因此在压力作用之下一部分表演者在表演中往往只关注音乐技巧的表现，而忽略了作品真实情感的流露，这样会直接导致艺术作品的表现力不足，让人感觉干巴巴的，缺少与观众的情感互动。当前投情技巧主要包含三大类。 第一，深刻理解声乐作品。想要让观众感动，表演者首先要做的就是深刻理解作品的内涵，只有把握创作品想要表达的思想并且结合自身的表演风格才能自然而然地迸发出强烈的情感，方可与观众在艺术表演中产生情感交流。第二，熟练掌握演唱技巧。解决这个问题最好的办法就是表演者在平时对演唱技巧进行不断反复地练习，一直达到非常熟练的程度。通常来说，在声乐表演中大部分时间都是歌唱环节，而且声乐作品的表达需要搭配多样化的音乐技巧，这一点对于表演者的要求比较高。表演者需要灵活机动而且熟练地把握演唱技巧，在演唱过程中才会游刃有余，从而留给自己更多的时间酝酿自己的情感。第三，表演者完美地融合作品。投情的最高境界就是表演者建立在原声乐作品的基础上所产生的情感与创作者的情感高度融合在一起。不同的声乐作品，表演者由于时代背景不同，往往无法深刻理解创作者在特定历史背景下所思所想。这就意味着绝大多数声乐作品的表演者很难真正融合原创作品。 （二）变换角色 戏剧、话剧、电影的表演者在演出中的角色通常都是不变的（特殊情况除外），而声乐作品的表演者需要在演出中同时担任多个角色，具有一定的灵活性，同时角色与角色之间存在兼容性。举一个例子说明，在表演者登台演出和声乐作品前奏部分中，表演者的身份是不同的，前者只是一个纯粹的演唱者，然而后者就已经成为声乐作品的主人翁角色，但是不管角色怎么变化，都必须最大限度地保证表演者角色所抒发出来的感情与表演者的动作实现高度统一。 （三）面部表情 观众看到表演者的第一时间会是面部。实践表明，合理利用面部表情能够给观众一种活灵活现的感觉，充分显示出表演者歌唱的生动性，从而大大增强整个声乐作品表演的表现力。具体地说，表演者可以通过掌握面部表情的相关技巧表达人物的各种心理变化。比方说，在手部动作不发生变化的情况下，表演者可以通过皱眉来表现人物内心的苦恼，通过提眉来展现内心的愉悦之情，通过挑眉来表达人物的桀骜不驯等等。演唱者还需要根据不同的作品内容来灵活地运用面部表情，展现出不同的含义。例如，在演唱关于大自然的歌曲时，歌曲内容包括“青山”“流水”“田野”等场景，而演唱者则需要通过面部表情来展现出对大自然的热爱，始终保持面部表情的自然放松，才能够让观众贴近自然。 （四）手势动作 这是除了语言之外最直接表现人物情感的方式，在声乐作品的表演中指的是身躯、四肢所做出的，观众可以直接看到的动作。由于表演者往往是站在舞台灯光之下的，观众（尤其是离舞台比较远的观众）主要是看到表演者的手势，就这一点而言，表演者自从登上舞台开始任何一个动作都成为表演的组成部分。为了使作品情感表现出最佳效果以及给观众更好的视觉体验，表演者必须很好地协调自己的四肢，除此之外，还要保证动作的连贯性以及手势动作结合音乐技巧，使得手势动作可以增强表演的效果。现在的手势动作可以分为多种类型，第一种是指示性手势，指的是表达方向和指令的手势；第二种是象征性手势，指的是用来表达视死如归等比较强烈情感的手势；第三种是情感性手势，指的是用来辅助表演者开心、悲伤、愤怒等情感的手势动作。 （五）眼神交流 眼睛是心灵的窗口，眼睛能够充分展现人物的情绪变化和内心活动。从这一点来讲，眼睛可以被认为是声乐艺术作品表演技巧的核心和灵魂。观众通过表演者的眼睛可以直接窥视到内心活动，同时还能够通过表演者的眼神变化来感受到情节的跌宕起伏。因此，表演者在平时的练习过程中要不断提高自己用眼睛说话的能力，通过运用眼神的不断变化来调动受众的情绪变化。 三、结束语 随着时代的变迁和生活水平的日益提高，人们对声乐艺术的要求也越来越高。走位声乐艺术实践中的表演者必须能够很好地把握原则性问题，包括时代性原则、真实性原则以及充分发挥想象力原则。那么声乐表演者在舞台上如何能充分地展现自我呢？除了具备一些必要的表演技巧之外，還必须具备非常高的心理素质。在表演中出现一些非表演技能的失败表现屡见不鲜。通过分析多种表演实践案例，笔者认为出现这种现象的根本原因就是表演者的心理在表演过程中失控，进而出现紧张，造成声音的不平稳和抖动等。为了克服这些问题，表演者在平常要不断地通过投情、手势动作、面部表情、眼神等训练，提高对于作品的表现能力，然后将原创作品赋予一定的时代气息，通过自身独一无二的演绎完美地呈现在观众的面前。这就需要表演者真正理解各种不同类型的声乐作品特征，做到有的放矢，全面提高声乐作品的表现能力，与观众产生良好的共鸣，让观众通过声乐体会到艺术作品当中所表达的喜怒哀乐，并且对自己的生活产生启迪作用。 【参考文献】 [1]彭彦彦.浅谈声乐艺术实践中表演技巧的培养[J].音乐时空，2015（16）：110-111，124. [2]秦北涛.声乐艺术实践中表演技巧的培养分析[J].当代音乐，2017（04）：42-44. [3]汪敏慧.浅谈声乐艺术实践中表演技巧的培养[J].大众文艺（学术版），2012（19）：7. [4]肖玲.声乐艺术实践中表演技巧的培养[J].中南民族大学学报（人文社会科学版），2012，32（03）：179-180. |
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