身临其境的西方经典艺术展，足不出户一篇全收
01《“爱琴遗珍”希腊安提凯希拉岛水下考古文物展》
“爱琴遗珍——希腊安提凯希拉岛水下考古文物展”的展品打捞于一艘公元前一世纪的沉船，这艘船从希腊化的小亚细亚沿岸港口出发，驶向意大利的罗马共和国，不幸半途沉没于安提凯希拉岛附近水域。为突出展品韵味，希腊国家考古博物馆与故宫博物院的设计师在神武门展厅做了精心设计。海蓝色被选为展览主色调，展品放置在白色展台上。蓝色象征海水，白色象征海底细沙。一个巨大的大理石马躯干和众多红陶器皿堆放在一起，底下铺满沙子，仿佛是当年水下的场景再现。橱架上摆满了船员们使用过的陶灯、陶瓶等生活器具，似乎让我们看到艰苦的航海旅程。
一组大理石雕像尽管不再洁白细腻，我们仍然能从它们残存的形状中辨识出古希腊写实主义雕塑的高超技法与迷人魅力。考古学家在沉船中发现了古代卧榻的构件。卧榻是希腊罗马时代奢侈生活的见证，在很多浮雕艺术中频频出现，留存下来的实物却不多。沉船是古代航海者的悲哀，却是封存历史的时间胶囊。也许正因栖身于沉船，卧榻构件才得以为今人所见。设计师用有机玻璃还原了卧榻的全形，把不同构件固定在相应位置上，让观众知道这些构件曾经是卧榻的哪些组成部分。展览还展出了极为精美的玻璃器皿。在遥远的古代，玻璃工艺已经悄然兴盛，特别是在古希腊罗马文明中，玻璃器皿的艺术性特别高，品质也非常出色。当我们观赏这些晶莹剔透的玻璃器皿时，会为它们迷人的色泽与质感醉心不已，它们类玉似冰，让人心旷神怡。安提凯希拉沉船上的货物本来是要运抵意大利的，它们大概是罗马贵族们订购的生活必需品和奢侈品。在公元前一世纪，罗马共和国已经成了掌控地中海大部分地区的霸权国家，即将摇身变成罗马帝国。它与古老的希腊文明在碰撞中融合，通过类似的海上贸易从希腊文明区源源不断引进物质与文化，逐渐促成了罗马文明的繁盛。
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《威尼斯与威尼斯画派》展览旨在展示从十五世纪到十八世纪跨越四百年历史的威尼斯绘画发展脉络：明媚和谐的文艺复兴时期、雍容华丽的十六世纪、光彩强烈的巴洛克时期、轻盈柔美的洛可可时代、理性至上的启蒙运动时期，通过不同阶段艺术特色的呈现，使广大观众对威尼斯四百年的艺术历史有一个清晰的了解。十五世纪威尼斯文艺复兴时期的绘画艺术推崇古典和优雅的风格，强调对人与自然的体现，追求自然风光中的诗意，注重通过图像讲述故事，安德烈亚·曼特尼亚、阿尔维斯·维瓦里尼、真蒂莱·贝利尼、乔瓦尼·贝利尼、西玛·达·科内利亚诺、维托雷·卡尔帕乔是这一时期绘画艺术的代表大师。十六世纪威尼斯的绘画，从特有的诱人“色调”入手，善于用艺术语言揭示人物的心理活动，乔尔乔内、提香、萨沃尔多、洛伦佐·洛托是这种绘画风格的代表人物。之后，由于受到来自罗马“风格主义”的影响，绘画风格精致而富有力量，主要的代表画家有委罗内塞、丁托列托、巴萨诺。十七世纪巴洛克时期，十八世纪洛可可时代，一直到新古典主义，以塞巴斯蒂亚诺·里奇、罗萨尔巴·卡列拉、詹巴蒂斯塔·皮亚泽塔为代表的艺术家创作了一系列极具艺术魅力的绘画作品。此外，彼得罗·隆吉创作了怡人的叙事性绘画，詹巴蒂斯塔·提埃波罗可以把各种情景“搬上”画布，他也因此被称为“神笔画家”。
威尼斯的风景画也不容忽视。卡纳莱托运用精湛的科学知识，按透视和比例绘制的画作极具代表性。弗朗切斯科·瓜尔迪充满诗意和想象力的作品，不仅体现出启蒙运动的理性至上，也表达了面对巨变的世界，人们内心的惶恐与不安。虽然威尼斯共和国历经从兴盛到黄昏、从衰落到消亡，但威尼斯绘画艺术并没有随之衰落。相反，在不同的历史时期，都留下了许多不朽之作，使她成为世界艺术史上一个永恒的传奇。
http：//www.chnmuseum.cn/Portals/0/web/vr/Venice2016/web/index.html03《罗马与巴洛克艺术展》
《罗马与巴洛克艺术展》由中国国家博物馆、意大利文化遗产活动和旅游部文化遗产开发司及罗马历史、艺术、民族人类遗产及博物馆联盟特署联合举办。这是执行中意两国政府达成的五年文化合作计划，继“佛罗伦萨与文艺复兴：名家名作”展之后的又一个精彩展览。巴洛克艺术是十七世纪欧洲广为流行的艺术风格。罗马作为巴洛克艺术的发源地再次成为十七世纪意大利和欧洲的艺术中心。聚集在罗马的众多意大利和欧洲艺术名家以其高超的藝术造诣和丰富的创造力，为这座永恒之城留下了大量弥足珍贵的艺术瑰宝。
为了展现十七世纪罗马的整体艺术风貌特别是罗马巴洛克艺术的独特魅力，中意双方历时一年多精心策划了“罗马与巴洛克艺术”这一主题展览。此次展览汇集了50件（套）十七世纪意大利的绘画、雕塑和工艺品。全部展品精选自罗马威尼斯宫国立博物馆、科西尼宫国立古代艺术馆、巴贝里尼宫国立古代艺术馆、基吉宫巴洛克博物馆、斯巴达美术馆等10余家意大利著名博物馆、艺术馆和相关收藏机构，包括卡拉齐、卡拉瓦乔、贝尼尼、科尔托纳、阿尔加迪、普桑、安德烈亚·萨基、弗朗西斯科·科扎、乔万·巴蒂斯塔·高利、贾钦托·布兰迪等20余名活跃在十七世纪罗马艺术舞台上的艺术大师和著名艺术家的艺术精品，涵盖了以巴洛克为主体的多种艺术风格。此次展览以十七世纪罗马艺术史的发展脉络为主线，划分为走向巴洛克及其自然主义的表现、巴洛克雕塑和巴洛克绘画三个部分，重点介绍和展示罗马巴洛克艺术，同时兼顾同时期的其他艺术风格，为广大观众呈现一幅十七世纪的罗马艺术全景画卷。
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《伦勃朗与他的时代》展出的70余件展品分为肖像画、历史画及风俗画三大主题，其中包含欧洲十七世纪最伟大画家之一的伦勃朗的11幅画作，以及天才艺术家维米尔首幅在北京展示的作品《坐在维金纳琴旁的年轻女子》。展览还将着重展出来自“精细绘画”（fijnschilders）的创作，包括伦勃朗的首位学生格里特·德奥以及他的两位杰出弟子弗兰斯·范·米里斯和戈特弗里德·沙尔肯等人的多幅艺术佳作。展览重现了十七世纪荷兰黄金时代的艺术盛景，实为中国公众欣赏十七世纪荷兰艺术的绝佳机会。
http：//www.chnmuseum.cn/portals/0/web/vr/20170617rembrandt/05《“重塑”吕佩尔茨雕塑作品展》
马库斯·吕佩尔茨，是德国当代著名的画家、雕塑家、作家、艺术教育家和爵士乐钢琴家。他是一位勤奋、善思、高产的艺术家，他十分关注艺术作品本体语言的表达和未来的各种可能性，以及艺术家自我意识的表达。与巴塞利兹、伊门多夫、彭克、安塞姆·基弗等一同被划归到德国新表现主义的阵营之中。吕佩尔茨以及他所代表的德国新表现主义绘画不仅仅是作为独特的欧洲艺术表现方式，打破了曾一度影响欧洲的波普艺术和极简主义的统治局面，因其绘画艺术的独特创造力引发了艺术理论和艺术史界关于绘画回归问题的讨论。20世纪80年代末到90年代初德国新表现主义被介绍到中国，对中国当代艺术的发展产生了重要影响。新表现主义在画面中呈现出的冲击力、激情甚至是一种反抗的、纠结的、矛盾的情绪深深地影响着中国艺术家，中国艺术家或直接的学习其画法和风格，或从其表现形式或方法上借力。
吕佩尔茨的艺术从20世纪60年代开始，在80年代获得了极大的声誉。他的艺术被赋予了多重意义的维度，特别是围绕关于绘画性的研究，从绘画形式语言和绘画题材入手，发现新的具有个人化与说服力的表达方式。他的雕塑雕凿粗放，有着狂烈的色彩，透过凹凸起伏的雕刻形成鲜明而强烈的对比，雕凿出人物的性格和灵魂。他的作品将形式与身体感觉的体验还原到了最为本能的层面上，实现了精神性力量的当代展示。
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《安东尼·葛姆雷：静止中移动》是安东尼·葛姆雷在中国的首个重要展览。此次展览将展现并传达艺术家在过去四十年间思考的核心主题：身体即空间，空间即物体。展览的核心作品为《临界物质II》（1995），是一件由六十个真人大小的铸铁人体组成的装置作品。其中的十二个人形躯体被安置在龙美术馆一楼，排列成直线型。从胎儿的姿态到耽于幻想的眺望的姿态，不免让人联想到“人类的进化”。在其旁边，相同的躯体混乱地倒成一堆，同时远处的躯体从屋顶悬挂下来。就如同艺术家本人的陈述：“这里，被遗弃的人造铁，每个都有人体十倍的重量，在反映了人类发展进步的社会黑暗面的同时，唤起观众对于上世纪各种矛盾冲突的记忆。”《呼吸的房间IV [RIO]》（2012）和《走廊II》（2017）这两件作品探索了不同形式的“合作”与“参与”。《呼吸的房间IV [RIO]》由若干可以发光的“空间框架”所组成，构建了一个三维立体的环境，观众被邀请与这雕塑化的空间相互动，甚至成为它的一部分。光和时间是这件作品的主要组成部分，十分钟的黑暗被四十秒的使人目眩的光所切断。此作品就像一幅三维曼陀罗，观众同时获得了心灵上安抚与对抗的双重体验，而沉思则在疑惑中被对比。《走廊II》是一个15.5米长的通道，其外观模拟了站立着的人體形状。它暗示了作品与人体的内部相关，并提供了一场走进黑暗与未知的旅行。这两件作品都是葛姆雷对于想要创造一个仪器的尝试，通过这个仪器观众的经验得到催化和转化。此次展出的四件悬浮雕塑作品（2008-2012）看上去就像悬浮于空间中的绘画，每件作品的中心都有类似素描般的身体空间显露着，在这些非物质化的作品中，躯体是自由的、失重的并且没有内心的。
绘画一直是艺术家创作的核心部分，本次展览涵盖了艺术家从1981至2016年间所创作的大量纸上作品。这些作品展示了手、躯体以及艺术家潜意识直觉中的亲密动作，画面呈现出其独有的张力与强度。通过线条、矿物颜料以及其他媒介的使用，这些绘画作品成为一种特殊的手段，有助于呈现“在制作中观看”这一过程。
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